Retrospectiva: Kraftwerk (Parte 1) - Autobahn y Radio-Activity | Por Cristian Petersen

Kraftwerk es sin duda uno de los grupos más influyentes en la historia de la música contemporánea y pioneros de la electrónica. Fundado en 1969 (bajo el nombre temporal de “Organisation”) por Ralf Hüttery Florian Schneider en la ciudad de Düsseldorf, su estilo se enfoca, hasta la actualidad, en un sonido minimalista, pegadizo y repetitivo en ocasiones. Los conceptos de sus álbumes a través de las décadas siempre han tratado sobre la sociedad moderna, y la relación cada vez más interdependiente entre hombre y máquina, prediciendo en algunos casos, hechos que en la actualidad son comunes dentro del mundo globalizado y digital. El uso de instrumentos electrónicos hizo que se ganaran un espacio dentro del Olimpo musical, y hasta el día de hoy no se puede calcular la gran marca que dejaron en la industria. Muchos expertos comparan directamente a Kraftwerk con “The Beatles” como grupos que dirigieron el futuro de la música, con la salvedad de que Kraftwerk siempre mantuvo un perfil bajo y a raya la relación música/fama. Su música se acompaña de visuales minimalistas y futuristas, lo que les da un plus adicional como grupo y un aura de enigma.

En esta serie que constará de cuatro partes y 2 álbumes por parte, daré un análisis a los 8 álbumes que Kraftwerk considera como sus más importantes y los que poseen el sonido característico de ellos (Autobahn, Radioactivity, Trans Europe Express, The Man Machine, Computer World, Electric Café, The Mix, Tour de France). Estos 8 álbumes, a la vez, son los mismos que forman parte del CD Box de remasterizados “The Catalogue” (“Der Katalog” en alemán) lanzado en 2009. Mi nombre es Cristián Petersen, chillanejo y un gran fanático de este grupo (al punto de moderar en una fan page en Facebook llamada “I Love Krafwerk”). Espero que este análisis les sea de su agrado.

KRAFTWERK - AUTOBAHN

Lanzado en noviembre de 1974, "Autobahn" tiene como tema central la red de autopistas alemana creada durante los años '30s y '40s del siglo pasado (más adelante sería fuente de controversia entre algunas personas del Reino Unido y Estados Unidos, quienes sentían que Kraftwerk simpatizaba, de algún modo, con la Alemania Nazi, al ser éstos los responsables de retomar el proyecto y llevarlo a cabo ambiciosamente). Dejando de lado sus 3 álbumes anteriores, los cuales eran puramente experimentales e instrumentales, Autobahn se enfoca en un sonido más electrónico, haciendo un mayor uso de sintetizadores, vocoders y baterías electrónicas completamente caseras (hechas por Wolfgang Flür, miembro de la banda en aquel entonces), aunque sin por ello dejar de usar sonidos  de violines, flautas y piano para algunas partes. El álbum logró un éxito internacional bastante aceptable para ser un grupo de Alemania, y marcaría a la banda para siempre como el “comienzo de su viaje musical”.

Con poco más de 42 minutos de duración, el álbum recorre por diferentes sonidos, cada uno con un estilo único de acuerdo a la canción reproducida (5 en total). Hoy es considerado como uno de los mejores álbumes del siglo XX, pues para su época presentó un sonido radicalmente distinto a la imperante por aquel entonces. No era rock, ni funk, ni disco; era algo que en aquel entonces no poseía un nombre determinado. A pesar de haber sido lanzado hace ya casi 43 años, sigue siendo un álbum que suena fresco y crujiente. Sin más que añadir, comencemos.

LISTA DE CANCIONES:

1. Autobahn
2. Kometenmelodie 1
3. Kometenmelodie 2
4. Mitternacht
5. Morgenspaziergang

El disco comienza con el sonido de una persona subiendo a un “Volkswagen Escarabajo”, cerrando la puerta, encendiendo el motor y partiendo rumbo al Autobahn mientras toca la bocina para despedirse, dando comienzo simbólico al álbum y a la canción en sí. Por más de 22 minutos,el tema nos presenta una melodía pegadiza y algo repetitiva, pero no por ello menos disfrutable. Muchos sonidos de sintetizadores emulando gran tránsito de vehículos por la autopista se escuchan de vez en cuando, sobre todo en la mitad de la canción. Esto da un enfoque ambiental a la canción y dejando en claro que el Autobahn es el motor del álbum. La canción es la única que posee letra, interpretada por Ralf y Florian, cuyos mensajes demuestran una emoción y ansiedad por estar disfrutando del bello paisaje que se les presenta, de los vehículos que transitan a su alrededor, mientras describen físicamente al Autobahn. A medida que la canción avanza, se dejan algunos minutos para experimentar con solos de baterías electrónicas y sintetizadores, y posteriormente volver a la melodía inicial de la canción.

Cuando llegamos cerca del minuto 16, la canción torna un giro inesperado y se deja de lado la melodía predominante de ésta para dar comienzo a una nueva, con un enfoque completamente electrónico y más “rockero”, por llamarlo de alguna manera. Sin duda alguna, esta primera canción es la que demuestra que la electrónica sería la música del futuro.

Damos paso a la segunda canción, Kometenmelodie 1, donde nos alejamos del sonido enérgico y algo rockero para dar cabida a algo mucho más sereno. Quizás, excesivamente sereno. Personalmente disfruto de esta canción, a pesar de lo "aburrida" que puede sonar para muchos. El concepto de la canción es sentir una "melodía de cometas" mientras siguen conduciendo por la autopista Autobahn, tal como se traduce literalmente el nombre de la canción del alemán. El uso de sintetizadores es total, con pequeñas interpretaciones de percusiones, mayormente usadas como meros metrónomos y dar compás a la melodía.

Para la tercera canción del álbum, se sigue la base inicial de su predecesora, pero reviviendo nuevamente un sonido más enérgico y rockero, algo que habíamos dejado atrás en la primera canción. Con esto se deja en claro que la canción anterior sólo fue una suerte de "gran introducción" a ésta, sobre todo al darnos cuenta de que las melodías son muy parecidas, con la salvedad de que aquí se rompe por completo la serenidad y la efusión se apodera de todo.

En la cuarta canción volvemos un tanto a la tranquilidad vista en la segunda canción, pero no de manera tan excesiva. Un sintetizador con un sonido similar a la de un órgano traza la melodía que posee el tema, seguido de sonidos similares a gotas de agua saliendo de una llave mal cerrada. Sinceramente siento que pudieron lograr perfectamente esa sensación de estar en medio de la noche (media noche para ser exactos), donde el silencio se transforma en el protagonista de tus sensaciones.

Para la quinta y última canción del álbum, el sonido emulado de pajaritos cantando marca el concepto central de Morgenspaziergang: despertar del largo viaje y comenzar a pasear en pleno amanecer. La flauta de Florian es la protagonista de la melodía que se escuchará por un poco más de 4 minutos, seguido de un acompañamiento de piano tocado por Ralf, y esporádicamente la intromisión de sonidos de una guitarra, dejando demostrado que no siempre es necesario usar instrumentos electrónicos para dar el punto final. Una excelente manera de acabar con el álbum, y la finalización simbólica del paseo por la autopista.

En resumen: Autobahn posee una fama indiscutible, y una excelente reputación más que ganada. Kraftwerk comienza con este álbum a mostrar su faceta electrónica y la apuesta por este sonido, algo que comenzaría a evolucionar con cada futuro álbum que se lanzarían a través de los años. Ralf y compañía sabían que la electrónica y el pop serían los géneros de la vanguardia en el mediano y largo plazo, apostando todas sus fichas a estos sonidos. Claramente ganaron la apuesta y se posicionaron en el mapa musical mundial como los pioneros del género. “Autobahn” sería, irónicamente, la representación misma del viaje a un nuevo sonido para la música del mundo.

KRAFTWERK - RADIO-ACTIVITY

Octubre de 1975. Han pasado 11 meses desde el éxito de “Autobahn”, y esta vez la banda nos trae un álbum conceptual enfocado en un tipo de energía que generaba controversias, sobre todo si nos contextualizamos en la realidad de la “Guerra Fría”: la energía nuclear y los efectos de ésta en una sociedad cada vez más inmersa en el miedo por la guerra atómica y el fin de la civilización como la conocemos. La radioactividad y temas similares son los protagonistas de este nuevo álbum, que abandona definitivamente el uso de cualquier instrumento clásico y se adentra profundamente en melodías creadas 100% por instrumentos electrónicos, además de un uso más protagónico de vocoders, mostrando a un Kraftwerk más “robotizado”.

Lo curioso de este álbum es que se da comienzo a una práctica que sería normal para el resto de álbumes: sacar una versión internacional (en inglés) y otra versión para el territorio nacional (en alemán), teniendo que adaptar letras para ambos idiomas, y manteniendo el sentido de sus mensajes, aunque en el caso de este álbum se mezclaron y compartieron tanto letras en inglés como en alemán en las canciones, siendo los títulos de éstas las que están exclusivamente en su respectivo idioma.O sea, ambos mercados comerciales tenían las mismas versiones de canciones, con sólo cambios en los títulos.Para efectos de esta reseña, usaré la versión alemana, así que los títulos estarán en ese idioma, más su contenido es el mismo que el de la versión internacional. Sin más que decir, la lista de canciones a continuación:

      LISTA DE CANCIONES:

1. Geigerzähler
2. Radioaktivität
3. Radioland
4. Ätherwellen
5. Sendepause
6. Nachrichten
7. Die Stimme der Energie
8. Antenne
9. Radio Sterne
10. Uran
11. Transistor
12. Ohm Sweet Ohm

Dando inicio al álbum, podemos escuchar el compás de una percusión que, a medida que avanza el tema, comienza a hacerse más rápido, acompañado de efectos especiales de un “Contador Geiger”. Un simbolismo que representa la radioactividad presente en la zona y cómo ésta aparecerá en forma de canción a continuación.

Damos paso a la segunda canción del álbum, y el single central de éste. La ambientación genera una sensación de estar en medio de la polución de una ciudad contaminada por la radiactividad, seguido de señales en código morse de fondo. El masivo uso del “Orchestron” como instrumento logra algo increíble en la canción. Su característico efecto de “voces de coros” da un plus al tema, generando una suerte de escalofríos. Este instrumento seguirá teniendo un rol importantísimo en otros temas del álbum. Ralf comienza a describir la radiactividad desde su descubrimiento hasta las maneras en que se emplea en su realidad social. Los códigos morse que se escuchan luego de las intervenciones de Ralf son, literalmente, mensajes encriptados conteniendo casi la misma letra cantada, con pequeñas modificaciones. Sin duda alguna es un detalle realmente fascinante a destacar, ya que no muchos saben de aquello y dan por sentado que los códigos morse escuchados son sólo “pitidos aleatorios”.

Como dato curioso: esta canción con el pasar de los años se convertiría de un simple tema sobre la radiactividad a un mensaje de protesta contra el uso de la energía nuclear y los efectos que genera en la población. Para el álbum “The Mix” de 1991 (un álbum que analizaremos más adelante), la letra sería fuertemente cambiada, añadiendo nombres de centrales nucleares que han sufrido accidentes, como Chernóbil o Sellafield, e incluso una ciudad que fue devastada por la radiactividad, como lo es Hiroshima. Se le añadiría la palabra “stop” antes de decir “radioactivity”, dando a conocer claramente el mensaje nuevo que se le quiere dar, alejando bastante el concepto del tema original del álbum analizado ahora.

Pasamos a “Radioland”, donde el tema trata básicamente del medio de comunicación más importante de su época: la radio (sí, existía la televisión, pero la radio seguía siendo el medio influyente más popular), y el mensaje entregado es una oda a su existencia. No hay mucho que describir sobre este tema, salvo que posee una melodía bien amena a los oídos, e intervenciones con vocoder en los momentos donde la radio “habla”.

Para el cuarto tema, los efectos de onda dan introducción a un sonido un tanto más “pop-rock”, recordando por momentos a la música de “The Beatles”. Sólo existen 2 frases en la canción que se repiten una y otra vez: una en alemán y otra en inglés, que es sólo la traducción de la primera.“When airwaves swing, distant voices sing” es el mensaje que nos indica el concepto del tema: cuando las ondas oscilan por los aires, las voces se apoderan de la canción y cantan (o sea, el mensaje anterior que se repite una y otra vez).

“Sendepause”, el quinto tema, es un “cierre de cortinas” para terminar el “primer acto” del álbum. Una sola nota se escucha intermitentemente, mientras sube de tono. El efecto recuerda demasiado a los “toques de gong” que existían en las estaciones de radio chilenas en el siglo XX y que denotaba un momento en que estaciones radiales que conformaban parte de una misma red informativa se sincronizaban para dar, al mismo tiempo, información de la realidad nacional e internacional. Desconozco si otras radios mundiales poseían un sistema similar, pero debo suponer que sí, ya que la siguiente canción coincide exactamente con lo que realizaba un toque de gong: dar noticias.

“Nachrichten” es la sexta canción del álbum, donde un locutor de radio comienza a dar información sobre la creación de 50 nuevas plantas de energía nuclear para la Alemania occidental en los próximos 10 años. De fondo comienza una segunda voz de otro locutor informando que existen 355 plantas nucleares operacionales o siendo construidas a nivel mundial, y que existirían 2000 al final del siglo. Vuelven a escucharse nuevos “toques de gong” para que una tercera voz entregue otra información al mismo tiempo que los otros 2 anteriores. Ocurre lo mismo con una cuarta y última voz de locutor. Ciertamente es un simbolismo y un detalle muy artístico añadido al álbum.

En la séptima canción del álbum nos encontramos con un monólogo realizado por una generadora eléctrica (básicamente, una prosopopeya), hablándole al oyente sobre su función como parte de una sociedad más y más dependiente de la tecnología y los avances. El mensaje vendría siendo un suplemento al tema anterior, para poder comprender mejor lo que se quiere plasmar en el álbum.

Para la octava canción, “Antenne”, Ralf es esta vez la que realiza un diálogo, personificando primeramente a una antena, la cual le habla a un transmisor común y corriente, ordenándole que cumpla su función de dar información. Luego, los papeles se intercambian y ahora es el transmisor quien le habla a la antena, exigiéndole que cumple su función de recibir la información. Un diálogo interesante, mezclado con interrupciones en alemán sobre electromagnetismo y ondas.

Llegando ya a la novena canción, sólo 3 líneas de letras explican un contexto un tanto científico: desde las profundidades del espacio, las estrellas son las radio estaciones galácticas que siempre transmiten púlsares y cuásares. Sólo se escuchan pulsaciones de frecuencias, con mínimas intervenciones de percusiones que sólo sirven como metrónomos.

 “Uran” es el décimo tema, y se desprende paulatinamente del sonido del tema anterior, otra vez con un mensaje algo científico. El uso del “Orchestron” y de un vocoder es simplemente fantástico y un sonido que siempre sería recordado como propio del grupo. Un mensaje robótico nos ofrece sólo 2 líneas, con 2 líneas adicionales, pero en alemán y siendo sólo la traducción de las primeras 2 del inglés. Personalmente, a pesar de ser un tema realmente corto y que más sirve como un momento de pausa, es uno de los mejores temas de su historia como grupo, no por lo complejo de su estructura musical (ya que sólo se usa un Orchestron como instrumento), si no por el ambiente maravilloso que genera en el oyente: un sentimiento de soledad y paz interior, escuchando a su conciencia (el mensaje del vocoder, en este caso). Un momento de trance que se agradece mucho.

Llegamos al penúltimo tema, en donde la introducción de 4 segundos podemos percibir una persona cambiando de dial, para luego dar paso a un ritmo más experimental y algo fuera del sonido imperante del álbum. Sinceramente, a pesar de que me gusta, lo encuentro un poco fuera de lugar, y parece más un B-side de sus antiguos álbumes, como “Ralf Und Florian”.

Cerramos el telón con “Ohm Sweet Ohm”, donde un mensaje en vocoder repite el mismo mensaje indefinidamente por varios segundos, dentro de un silencio monumental. Poco a poco empiezan a escucharse nuevos instrumentos, como un viejo sintetizador y el kit de percusión artesanal de Wolfgang, que a medida que avanza el tiempo, comienza a subir de velocidad. La melodía central es realmente desoladora y melancólica, pero realmente hermosa. El tema cada vez empieza a hacer uso de más efectos de sintetizador sin dejar de lado la melodía central, con un ritmo bastante rockero. Personalmente, es el mejor tema del álbum, y en más de una ocasión me genera un nudo en la garganta por lo melancólico y terapéutico que puede ser para uno mismo y su conciencia. Ohm Sweet Ohm es, sinceramente, la canción más melancólica de la música electrónica (fuente: yo mismo) y a la vez un verdadero himno que vale más que cualquier álbum electrónico de los tiempos actuales. Realmente recomiendo escuchar este tema.

En resumen: Radioactivity es un álbum que realmente pudo estar a la altura de Autobahn, e incluso poder superar en algunos aspectos a éste. Un sonido más cristalino, menos improvisado; acompañado de ritmos pegajosos y un uso magistral del vocoder y el Orchestron, los cuales se roban la película. A veces puede tornarse algo repetitivo en ciertas canciones, o pecar de extender un poco temas que bastaban con una duración normal, pero lo cierto es que es un álbum que genera una tranquilidad mayor. Décadas más tarde, algunos de estos temas serían “re-estructurados” para ser tocados en las giras de “Retrospective” o “3-D Concert”, y aunque tienen un buen resultado, los originales son mejores (a excepción de Radioactivity, cuyo tema en la actualidad se convirtió en un símbolo de protesta y con un ritmo mucho más bailable y pegadizo).

Y así es como terminamos esta primera parte. Espero que hayan disfrutado del análisis y perdonen cualquier error que pude haber cometido dentro del post. Es mi primera vez y como ser humano, puedo cometer errores. Gracias por su atención y no olvides seguir la página de Facebook de Sinécdosis, y estar atento a este blog para leer más contenido.

Cristián Petersen

Profetas y Frenéticos - Conga! (LP) (2016) | Review Musical por Nicolás Olivares

Hace bastante tiempo que Claudio Narea empieza a tomar esta interesante faceta de compositor e interprete solista, editando hasta la fecha tres discos en los años 2000, 2006 y 2015. Pero sorpresivamente, un año después de su último lanzamiento, La Vida es Circular, decide editar un disco con uno de sus antiguos proyectos, Profetas y Frenéticos. Una banda que si es que no lo alcanzó, rozó el estado de ''banda de culto'', inspirando a varias bandas emergentes (y algunas consagradas, como Sinergia), en la década del '90. Este disco, Conga!, y su sencillo del mismo nombre se lanzaron muy rápido y no tuvieron mucha promoción más que la otorgada por el mismo Narea a través de sus redes, y la de algunos medios que entrevistaron al antes mencionado estas últimas semanas y meses. Sin más preámbulo, veamos que nos depara el tercer disco de Profetas y Frenéticos, el primero desde el año 1992. Veamos si después de escucharlo, nos unimos a esta fila de Conga, o si simplemente nos quedamos mirando desde un costado. A continuación, la lista de canciones:

Lista de Canciones:

1.- Conga!

2.- Profeta y Frenético

3.- Chofer, Siga a ese Taxi

4,- Duerme, Duerme, Hoy es Viernes

5.- Algo huele mal, Pero hay Fiesta

6.- Cuando toco mi Trompeta

7.- Muévete, Retuércete

8.- En mi globo de color

9.- Elvis nos ayuda desde el Cielo

10.- Pobre Niña

11.- Te he visto en Películas

12.- Esto no es un Juego

Primero que todo, vamos a analizar el primer corte de este álbum, y a la vez, el único sencillo hasta ahora, el homónimo Conga!. Desde el punto de vista musical, nos encontramos con un sencillo que dista bastante de la calidad de los sencillos del primer disco, pero aún así es muy pegadizo, y la forma en que se mezcla un ritmo como la conga, y el rockabilly que esta banda ha proyectado en todos sus trabajos, resulta en un sencillo fresco, y bien producido. En mi opinión es una buena canción, pero que se queda un poco corta comparada a otros temas del álbum. Disco que además de material nuevo, tiene una variedad de versiones regrabadas de canciones de los discos Profetas y Frenéticos, y Nuevo Orden, dejaremos el análisis de aquellos temas al final, por ahora, nos centraremos en las composiciones nuevas.

El tercer track es para mí el que debió haber sido el sencillo promocional del álbum, Chofer, Siga a ese Taxi, es un tema que expone todos los puntos positivos del disco; letra divertida, buena instrumentación, y la voz de Lucho González suena fenomenal. El rockabilly no es precisamente el estilo musical mas popular del momento, pero esta canción, con algunas mejoras técnicas y un buen videoclip pudo haber logrado rotación en algunas radios. En tanto, Elvis nos ayuda desde el Cielo, es una canción con mucho potencial, pero que en un mar de versiones de las canciones antiguas del grupo, pasa muy desapercibida.

Porque justamente ese el mayor problema, este álbum tiene solo tres canciones originales, por lo que, si disfrutas el material original, quedarás con un monumental gusto a poco. Aunque debo decir, que las versiones regrabadas de los discos anteriores son bastante buenas. Profeta y Frenético no cambia mucho a su popular versión original, pero las notorias mejoras técnicas hacen que se escuche mucho mas pulcra. Muévete, Retuércete es un punto aparte. Aquí Claudio, Lucho, y el grupo se lucen, y entreguen una versión mucho mejor que la del disco homónimo, la cual fue el tema con mayor circulación en su época. Las demás versiones están igual de bien logradas, donde el grupo tiene el mérito de haber escogido el mejor material de los dos discos para ser regrabados. Aunque creo que hay una gran ausente, La Granja es para mí, uno de los mejores temas del grupo, pero sin embargo esta no está presente, es el único reparo que tengo en este punto.

En resumen, debo decir que Conga! es un disco con un nivel de producción bastante alto para ser un sello independiente, propiedad del mismo Narea, Su experiencia como productor pudo haber ayudado en este punto. La banda sonó fenomenal, es como si los 25 años que hay entre el primer disco y el 2016 no hubieran pasado. El material nuevo es muy disfrutable, y creo que si a Claudio, Lucho y los demás integrantes se dan un buen tiempo para hacer un disco integro, solamente con temas nuevos, este podría tener un resultado muy interesante. No podría juzgar tan duramente este disco por la ''sobreexplotación'' de los temas antiguos, pero se nota que producir canciones originales no era el objetivo principal, además de que los <<autocovers>>, están bien logrados. Así que creo que la calificación más adecuada para este singular álbum es:

Muchas gracias por haber leído este reseña, más corta de lo normal, pero hecha con todo el cariño para las personas que siguen nuestro blog (ahora sí que sí) cada semana. Tenemos muchas sospresas preparadas, ya que por fin estamos recibiendo aportes de fans del blog, lo que nos tiene a mí y a Sebastián muy contentos. Si quieres aportar o quieres mantenerte informado acerca de lo que se vaya a publicar en el blog, puedes visitar la página de Facebook de Sinécdosis y mandar un mensaje, o dejar tu comentario. Eso ha sido todo por hoy, y atentos al blog el próximo martes, cuando publiquemos el primer aporte de un fan. Esperamos que lo lean. Y otra vez, muchas gracias por su atención.

Nicolás Olivares

Los Mil Jinetes - Fuera de mi vista (LP) (2016) | Review Musical por Sebastián Madrid

Después de más de un año de inactividad, de tristezas, de alegrías y sobretodo de musiquita, yo, Sebastián Madrid, he vuelto a escribir una review para este humilde blog musical. En esta, mi primera entrega del 2017, les traigo un disco moderadamente fresquito: Fuera de mi vista, de Los Mil Jinetes.

Los Mil Jinetes es una banda conformada por Cristóbal Briceño y Andrés Zanetta que se mantiene activa desde el 2008, cuando sacaron su primer disco titulado Ándate cabrita, hasta el día de hoy. Mezcla varios estilos musicales, desde la faceta un poco rockera de Briceño hasta los míticos samples de Zanetta, haciendo así una bellísima mezcla que es realmente bálsamo para los oídos, un sonido realmente bueno. Al principio, en el primer disco, la banda mostraba un sonido más acústico, claro, igual tenían elementos electrónicos pero nunca tomaron mucho protagonismo salvo en un par de canciones. Con el tiempo, eso ha ido evolucionando, los samples y sonidos electrónicos fueron tomando un papel más principal respecto a las etapas pasadas, destacando en bastantes canciones. Ese sonido se plasma muy bien, aunque un poco más equilibrado, en el último disco lanzado por el dúo, el cual procederé a analizar.

Lista de canciones:
1.- Fuera de mi vista
2.- Me acosté temprano
3.- Sorpresa de Yerbas Buenas
4.- Tren sin frenos
5.- Tú tranquila
6.- Apicultor
7.- Gato y árbol
8.- Hambre y sed
9.- Diferente a mí
10.- Incendio nocturno

Partimos con algo bien tranquilito y calmado, Fuera de mi vista, la canción que da nombre al disco, y que nos entrega una sensación tan relajante que da la impresión que fuera el inicio de una plácida aventura. Me acosté temprano sigue con esa misma línea ‘’introductoria’’ por decirlo de alguna manera, expresando un deseo interminable de apurar el tiempo y ver las sorpresas que el futuro puede tener para uno. Quizá esa sea una de las peores sensaciones que uno puede tener, ser ansioso es terrible, sobretodo porque eso es típico cuando uno no la está pasando muy bien en la vida, querer que todo sea rápido. Sin embargo, don Cristóbal y don Andrés saben abordarla de una manera impresionante, a pesar de tener un ritmo más bien lento logra darle una connotación positiva y alentadora a esa sensación que yo describo como tan terrible.

La pasividad de la canción anterior se borra con Sorpresa de Yerbas Buenas, mucho más movida. Uno de los mejores tracks de este disco. Esta canción data del año 2013, originalmente tocada de manera acústica en los conciertos de Briceño como solista. El título hace alusión a la batalla de Yerbas Buenas, en pleno proceso de Independencia de Chile, pero Cristóbal, el compositor, usa ese título a su antojo, dejando un poco de lado ese hecho histórico para empezar a referirse a la marihuana. Simplemente la canción describe el dolor, confusión o algún problema que siente una persona por X situaciones en su vida, pero que con la ya dicha plantita se pueden amenizar. Sencillamente, una gran canción, partiendo solo con la guitarra bastante tranquila para de apoco ir agregando instrumentos y sonidos que la complementan de gran manera.

Después pasamos a Tren sin frenos, el primer single del disco, una canción más calmada que la anterior, con una melodía muy tranquila y suave para el oído de cualquiera que la oiga, además que pega muy rápido con solo una escuchada, por algo fue elegida como single. Como ya es la tónica en el disco, el dúo nos plantea una situación mala para el ser humano como una bella canción. Manteniendo la línea de la canción anterior, llega Tú tranquila, un tema que yo defino como una especie de ‘’puente’’ entre Tren sin frenos y el siguiente single, Apicultor, por pasajes continúa el legado de su anterior canción con varios instrumentos sonando tranquilamente, pero por otros baja su intensidad y se transporta a la siguiente canción. Festival de Zanetta, festival de samples, eso es Apicultor. Pero alto ahí, no lo digo como si fuera malo, no no no: sino que todo lo contrario, esta canción está terriblemente bien acompañada de los samples, un gran acierto la verdad. En este track, los samples son muy bien implementados, partiendo por el sonido de las abejas (el nombre de la canción explica ese sonido) y, por sobre todas las cosas, esos ‘’aaah’’ en medio de la canción, un muy, muy buen trabajo la verdad, pocos sonidos con una buena letra y poniendo los samples en los momentos justos, pueden armar una gran canción como esta.

Punto aparte, ¿por qué? Porque creo que después de Apicultor el disco toma otra dirección.Gato y árbol vuelve al sonido más movido, un pseudo trabalenguas, por llamarlo de alguna manera. A pesar de que es una canción bonita para el oído, creo que aquí el disco decae un poquito, no mucho, solo un poquito. Hambre y sed, un título algo similar a la canción anterior, pero solo hasta ahí, ya que ambas son bastante distintas, esta podría haber pasado piola como instrumental, ya que en ese sentido es totalmente notable, creo yo, pero lo que realmente si es la guinda de la torta es, sin duda, ese frenético final. Quien dijese ‘’Salto alto’’, ahora podemos aplicarlo en el repentino salto del frenético final de Hambre y sed al inicio tranquilo de Diferente a mí. Hermosa canción, la voz de Cristóbal es perfecta, ese tono entre triste y melancólico que pone, sumado al arpegio de fondo durante la primera parte de la canción es sencillamente impecable, al menos a mí, las primeras veces que la escuchaba me salía una lagrimita, llega a lo más profundo de uno, algo que no cualquiera hace. Ese éxtasis de sonidos al final, UFFF, nada que decir, se las mandaron con este temón. Llegamos al final de nuestro viaje con Incendio nocturno. Un buen cierre para el disco, no es de las canciones más brillantes, pero sinceramente crea una buena atmósfera para finalizar el álbum, tranquilizadora y hermosa… aunque por esto algunos culpan a Briceño de los grandes incendios en el sur (?)

A pesar de que decae un poco luego de Apicultor, este es realmente un gran disco. Como saben, Cristóbal Briceño lanzó 3 discos el año 2016: Cuerpo a Cuerpo (Cristóbal Briceño solista), El hombre puede (Ases Falsos) y el que acabo de analizar, Fuera de mi vista. Este último, para mí, sin duda alguna es el mejor, mantiene lo clásico de Los Mil Jinetes, esa bonita mezcla de lo acústico y lo electrónico, pero por sobre todo, nos hace pasar por mil etapas durante casi 38 minutos. Letras realmente buenas se pueden ver en este disco, con instrumentales aún mejores. En muchos pasajes nos da una perspectiva distinta de los problemas, mirándolos como algo positivo, como una ventaja quizá, o si no es así, nos invita a mejorarlos con una Sorpresa de Yerbas Buenas. Letras que realmente dan para pensar, otras totalmente directas pero que te entregan algo que te queda muy al fondo, con ese relato tan dulce, preciso y conciso que oímos de la boca de Cristóbal Briceño, acompañada de los samples e instrumentos buenísimos que Zanetta integra en cada uno de los trabajos hechos bajo el nombre de Los Mil Jinetes. Mi calificación para este disco es:

Muchas gracias por leer esta review, más de un año sin hacer una se siente raro, pero a la vez bastante bonito, porque sé que este blog tomará un buen camino junto a mi compañero Nicolás Olivares y la gente nueva que pronto se verá por estos lares. No olvide seguirnos en la página de Facebook de Sinécdosis para no perderse ninguna review. ¡Nos vemos!

Sebastián Madrid

Metallica - Hardwired... To Self-Destruct (LP) (2016) | Review Musical por Nicolás Olivares

¿Como catalogamos este disco? ¿Sorpresa? ¿Reivindicación? ¿Un intento más?. Metallica ha paralizado el mundo del metal hace casi un mes, y nadie, absolutamente nadie ha quedado ajeno a lo que ha significado Hardwired... To Self-Destruct. La banda parece haber renacido en lo que muchos críticos y fanáticos llaman ''El regreso del año''. Y en un arriesgado movimiento, se ha lanzado un videoclip para cada canción, algo nunca pensado de parte de la banda que siempre fue reacia a a la realización de estos, Sin duda una rareza, donde Metallica, grupo rodeado de críticas desde hace más o menos un cuarto de siglo, y que en su última entrega, Death Magnetic, en el año 2008, generó críticas mixtas por parte del público, esta vez puede sacarse la espina, el prejuicio de que nunca iban a volver a ser lo de antes. Lo que tenemos aquí, es lo más cercano al Metallica de los años '80 que podría haber el día de hoy. Así que empecemos con el análisis de quizás el disco más mediático del año en lo que a rock respecta, Hardwired... To-Self Destruct. Vamos con el tracklist.

Disco 1
1.- Hardwired
2.- Atlas, Rise!
3.- Now That We're Dead
4.- Moth Into Flame
5.- Dream No More
6.- Halo On Fire

Disco 2
1.- Confusion
2.- ManUNkind
3.- Here Comes Revenge
4.- Am I Savage?
5.- Murder One
6.- Spit Out The Bone

El disco comienza quemando todos los cartuchos desde el primer segundo, la primera pista, Hardwired, fue pensada para ser un ''rompe hielos'', y vaya que cumple su propósito, este primer corte es una de esas canciones que te deja al borde del asiento, un comienzo sólido que reafirma la magnífica Atlas, Rise!, una canción fuertemente influenciada por la NWOBHM, dejando un pequeño gusto a haber escuchado a una cruza entre el Metallica de fines de los '80 y a Iron Maiden en su mejor tiempo. Con Now That We're Dead se baja un poco el ritmo y también la calidad, sin ser una mala canción, no está al nivel de las demás, destiñendo aún más cuando la pista que viene es por lejos la mejor del álbum, para mí, Moth Into Flame debió haber sido la canción de este disco nominada a los Grammy's (que, ¡sorpresa, siguen siendo un chiste!), el riff principal de esta canción, la ejecución de la batería, las armonías vocales, hacen que dentro de un todo, presenciemos la más poderosa, y quizás la mejor canción hecha por Metallica desde 1991. El intento de emular al Groove Metal, y bandas como Alice In Chains con Dream No More me parece un poco pegajoso, pero no me logra atrapar, a diferencia de otro de los puntazos de este álbum, Halo On Fire, que nos entrega una prolija actuación de toda la banda, mención especial a la increíble entrega de James Hetfield en la voz, simplemente excelente.

El segundo disco abre con Confusion, que mantiene el nivel de las anteriores, le siguen canciones como ManUNkind y Here Comes Revenge, que al igual que Confusion, brillan más por sus letras que por la instrumentación, y en esto me quiero detener, porque a pesar de que el disco dos es ligeramente inferior al primero, ha sido apuntado por mucha gente como más desordenado, y en eso les encuentro la razón. Este disco con un mejor orden pudo haber tenido el mismo nivel que el primero. Dejando eso de lado, la siguiente pista es Am I Savage?, donde creo que hay una leve mejoría en las guitarras respecto a las canciones anteriores, pero que se cae en otros aspectos. La penúltima canción es Murder One, un homenaje al maestrísimo Lemmy Kilmister, voz, guitarra y fundador de Mötorhead, la canción es buena y deja un buen sabor de boca, gracias a sus letras y el significado que tiene este homenaje. Y por último tenemos a Spit Out The Bone, una excelente canción, precisa para cerrar este álbum, donde de nuevo vemos como el tempo aumenta justo como al comienzo.

Una de las primeras cosas que podemos notar es que este disco doble (o triple, si contamos la edición deluxe), no tiene aportes en la composición de parte del Guitarrista Líder, Kirk Hammett. Y esto es algo que me llama la atención, ya que las primeras críticas que vi cuando el disco no estaba 100% liberado al público, despedazaban el desempeño de Hammett en los solos, y la verdad es que yo creo todo lo contrario. A mi parecer, los solos que podemos encontrar en este LP, son los mejores solos que Kirk ha hecho desde el álbum negro. Por otra parte, James Hetfield acompaña muy bien con la 2da Guitarra, aportando muchos riffs dignos de recordar, mención aparte a su actuación en las voces, uno de los puntos altísimos del disco, sin duda, y que incluso supera a su desempeño en Death Magnetic, donde las voces eran para mí uno de los puntos más fuertes. Por otro lado las letras, también a cargo de Hetfield como de costumbre, van ordenadas en el disco en constantes altibajos, la letra de Hardwired, por ejemplo, es horrible. Pero se reivindica con letras como las de Confusion y Here Comes Revenge, donde las líricas están notoriamente mas pulidas.

Si alguien sabe de ser el blanco de todas las críticas, sin duda es Lars Ulrich, Cada metida de pata es adjudicada automáticamente a su persona, y tras su magnífica actuación en ...And Justice For All, no ha dejado de ser bombardeado por los fans de Metallica por su desempeño en los discos siguientes. Sin embargo, considerando la edad de Ulrich, sumado a las paupérrimas actuaciones que brindó en el pasado, como el a menudo recordado sonido del disco St. Anger, en Hardwired... To Self-Destruct, Lars logra al menos ir a la par de sus compañeros, destacándose incluso en un par de temas con el doble bombo o los puentes entre los versos. Por último, Robert Trujillo aporta silenciosamente al disco con potentes pistas de bajo (gracias al cielo, por fin audibles), y que hacen el complemento perfecto a Hammett junto a sus demás compañeros. Por fin se siente a Trujillo calzando con la banda, cosa que antes no se manifestaba de la misma manera.

En resumen, es un disco duro, fresco, y muy disfrutable. Podría catalogarse de poco conciso, con una hora y diecisiete minutos de duración, pero sin embargo, este álbum no aburre ni hastía en ningún momento a pesar de su duración, y logra mantener al receptor atento en toda su extensión. Creo que este el disco que tanto tiempo los fans mas fieles de Metallica esperaban para volver a disfrutar de buena manera con esta banda, que por fin puede respirar tranquila, o semi-tranquila, ya que el furor que ha causado el disco ciertamente hará que su agenda este más copada que en cualquiera de sus otros tours de la última década. Por fin en los conciertos habrá algo nuevo que ver, y algo más que disfrutar. Sin duda, un disco redondo, por lo que para mí, merece la calificación de:

Cuatro estrellas de cinco para este disco que me dió mucho gusto reseñar, y es el mismo gusto que me da volver a las andadas con este blog, como siempre junto a mi compañero Sebastián Madrid. Este es el primer paso del regreso de Sinécdosis, y trataremos de sacarlo a flote de nuevo. Si les gusto la reseña, les agradecería compartirla con sus amigos amantes de la música. También pueden dejar sus comentarios y opiniones propias sobre el disco y no olviden seguir la página de Facebook de Sinécdosis, donde podrán encontrar información adicional, y enterarse antes que nadie cuando salgan más reseñas. Eso es todo, que tengan una buena semana, se despide:

Nicolás Olivares

Los Tres - Por Acanga (EP) (2015) | Review Musical por Sebastián Madrid

Tras una década marcada por su buena música, grandes discos y geniales composiciones, Los Tres decidieron separarse en el año 2000, donde cada uno de sus integrantes tomo distinto rumbo. Luego de 6 años separados, la banda volvió, con un nuevo disco (y un nuevo integrante) ‘’Hágalo usted mismo’’ se tituló el álbum que trajo de vuelta a la escena nacional a una de las bandas más reconocidas del país.

Sin embargo, Los Tres empezaron a tomar otro rumbo con su disco ‘’Coliumo’’ del año 2010, un sonido diferente al resto de su discografía, que realmente no le fue muy bien. Los Tres querían desquitarse, Álvaro Henríquez quería desquitarse. Ya con mucha agua bajo el puente, la salida de su emblemático guitarrista, Ángel Parra, del baterista Manuel Basualto y la llegada de una nueva guitarra y batería: Sebastían ‘’Chiporro’’ Cabib y Boris Ramírez, respectivamente, se lanzaron a sacar un EP, muy hablado durante casi 2 años, considerando que el primer single salió mucho tiempo antes del EP. ‘’Por Acanga’’ se titula esta nueva obra de la banda oriunda de Concepción, que, según el autodenominado ‘’Jefe de jefes’’, lleva ese nombre por un dicho ‘’por acanga y por allanga’’. No sé de donde habrá sacado eso, pero en fin, centrémonos en lo que hoy nos corresponde.

Lista de canciones:

01.- Hey soledad (Cover de Juan Cirerol)
02.- Quizás con quién.
03.- A palos con l’águila.
04.- Seguir hasta que salga el sol.
05.- Hey Hey Hey.
06.- Cuento sin final.

La primera canción titulada ‘’Hey soledad’’ es un cover del mexicano Juan Cirerol. En esta canción se implementa mucho sonido mexicano, algo que realmente me ha desagradado de Henríquez este último tiempo, siento que ese sonido que le está dando a Los Tres los está ensuciando. El tema fue escogido como el tercer single de la banda, lanzado en septiembre de 2015. Tuve la oportunidad de escucharlo en vivo por esas mismas fechas cuando se presentaron en Maipú. Después de ‘’Quizás con quién’’ considero que es el mejor single de este EP, una canción muy rápida, agitada, quizás hasta pegadiza, pero como dije anteriormente, no me gusta para nada ese sonido mexicano que Henríquez le está dando a la banda.

‘’Quizás con quién’’. Quizás con quién te andas juntando, Álvaro, para hacer esto. Una de las mejores canciones de este corto EP de Los Tres. Canción muy lenta en comparación con la anterior, pero no así mala. Muy melancólica, triste, con sentimiento, como Henríquez. Sin embargo, siento que este no es el sonido que caracteriza a Los Tres, no encaja simplemente, este tipo de canciones es para otros artistas, no para Los Tres. En sí, una canción decente, no al estilo Los Tres, pero decente al fin y al cabo, sobre todo en los últimos segundos. Cabe decir que tiene un parecido con ‘’Quizás porque’’. (tachado) De: Álvaro Henríquez. Para: Ángel Parra (tachado).

La siguiente canción es ‘’A palos con l’águila’’. Buena batería en este tema. Sin duda el mejor de esta pequeña producción de la banda. Quizá con la voz de los 90’ que tenía Henríquez, esa grave, sería un gran tema, lamentablemente ahora canta como mexicano con la nariz tapada. Gran canción pero se escucha mal, horrible, no sé qué pasó, el resto del EP se escucha bien, esta canción no. Pero bueno, una buena canción que es disfrutable al fin y al cabo. ¿Digna de Los Tres? No sé la verdad, el tiempo lo decidirá. ¿¡QUÉ CHUCHA ES LO QUE QUIERE!?

A continuación nos encontramos con ‘’Seguir hasta que salga el sol’’. Uno de los puntos más bajos del EP. Hasta aquí era decente todo, pero en esta canción se va todo a las pailas. Una letra realmente mala, de verdad, aburrida y monótona. Para qué decir la musicalización, terrible, no tiene energía, no tiene fuerza, una voz apagada que no acompaña para nada la canción. Guitarras y sonidos innecesarios en ciertas partes del tema, que hacen aún más mala la letra. Aburrida, Los Tres sí que pueden hacer cosas malas, y eso lo dejan demostrado en varios temas del Coliumo, pero esta canción no es mala, sino aburrida.

Continuamos con el primer single del disco, grabado casi 2 años antes del lanzamiento del EP y lanzado el 1 de enero de 2014. Noto cierta diferencia en la voz de Álvaro con respecto a la versión del video, me gustaba más esa que la que sale en el EP, pero bueno, cosas del jefe. Una canción mala, siento que sin ese video tan ‘’polemicosh’’ no hubiese sido tan reconocida como fue. Canción que habla de un femicidio, no sé que le dio a Henríquez cuando escribió esto, quizá estaba duro o qué se yo. No tiene ni pies ni cabeza, fundamento ni nada, absolutamente nada, una canción vacía, fuera de contexto, sin sentido. Además de la voz nasal que embarra absolutamente todo lo que han hecho Los Tres después del 2012.

Finalizando el EP, descubrimos ‘’Cuento sin final’’. Cerrando la última producción, la más baja de su historia, se encuentra este tema, el más ‘’piolita’’ de el EP, casi desapercibida. No es mala, tampoco buena, pero sí un buen final para ‘’Por Acanga’’. Letra decente, un tema lento, casi nostálgico, según mi punto de vista. Trae recuerdos del pasado, buenos recuerdos que quedarán impregnados en tu memoria, que a lo mejor fueron buenos pero te hacen daño, que da gusto recordarlos pero a la vez sabes que está mal. Mucho sentimiento, mucho Henríquez, mucho Los Tres.

Un EP que me dejó ahí nomás, con las ganas de haber escuchado algo mejor, que tuviera esa esencia de Los Tres, pero me desilucionó. Apagado, lento, aburrido. Entre cada canción tuve que escuchar ‘’Agua fría’’ para recordar lo que eran Los Tres, para creer que yo los escuchaba. Esta vez no, en este EP se escuchó a el mexicano Álvaro Henríquez, conocido por haber nacido en el DF, y su compa, ese wey, el ‘’Titae’’ Lindl. Fuera de bromas, es en serio que sentí a un mexicano cantándome, no a un chileno, no a esa voz penetrante que caracterizaba a esta gran banda chilena, que realmente llora la ausencia de dos de sus pilares fundamentales, Pancho Molina, y, principalmente Ángel Cereceda Orrego. Su salida realmente marcó un cambio en el sonido de la banda, se eliminaron esos arreglos por guitarras simples, rectas y monótonas de ‘’Chiporro’’ Cabib, que le aviva la fiesta al Jefe de jefes con ese estilo mexicano que está consumiendo su ser (sobre todo su nariz). Se espera que este 2016 salga la segunda parte, ‘’Por Allanga’’, según se ha dicho. Esperemos que tenga el sonido Los Tres, que vuelvas a sentir Fome, La espada & la pared, La sangre en el cuerpo y no a Los charros de Lumaco. No entiendo muy bien qué quiere Henríquez, ¿Qué es lo que quiere? ¿Qué es lo que quiere? ¿Qué es lo que quiere? ¿¡QUÉ CHUCHA ES LO QUE QUIERE!?. Mi calificación para este EP es:

Muchas gracias por leer esta reseña, siempre hecha por su servidor, recuerden darle like a la página de Facebook de Sinécdosis, les manda saludos.

Sebastián Madrid

Los Prisioneros - La Cultura de la Basura (1987) | Review Musical por Nicolás Olivares y Sebastián Madrid

Hola a todos, hoy revisaremos este disco que ha sido catalogado de muchas formas. Subvalorado. Mal Producido. Inferior. Innecesario. Experimental. Son algunos de los adjetivos con los que la crítica y los fans han descrito a ''La Cultura de la Basura'', el tercer LP de la banda Los Prisioneros que da mucho para hablar. En esta review no estaré solo, ya que como sucios fanboys de Los Prisioneros, yo y Sebastián haremos esta review entre los dos, yo haré la review como lo hago normalmente pero con la ayuda de Sebastián que hará comentarios sobre las canciones del disco. Por si acaso, lo escrito por Sebastián estará en verde. El Tracklist de este álbum es el siguiente:

PD: Esta review la empezamos a hacer en la primera noche del Festival de Viña, después de decepcionarnos con los Dinamita y después de moshear con la canción de Italia. Ah, y puteando a Yandel.

Lista de canciones:

01.- Somos solo ruido
02.- De la cultura de la basura
03.- Que no destrocen tu vida
04.- Usted y su ambición
05.- Cuando te vayas
06.- Jugar a la guerra
07.- Algo tan moderno
08. - Maldito Sudaca
09 - Lo estamos pasando muy bien
10 - El es mi ídolo
11 - El vals
12 - Otro día
13 - Pa Pa Pa
14 - Poder Elegir


El primer tema del disco es ''Somos solo ruido'', una auto-sátira al mal (por no decir pésimo) sonido que el grupo tenía en sus presentaciones en vivo, está canción a mi me parece muy cómica y sirve muy bien como introducción a este disco. PD: CONCHE-CONCHE-CONCHETUMARE.

Bastante buena canción como introducción, no sé si tanto como para tocarla en vivo, pero sin duda gran introducción. Como decía Nicolás, esto es como una sátira a ellos mismos por las criticas que recibían en aquellos tiempos por no tener un buen sonido en vivo.


La siguiente canción es ''La Cultura de la Basura'', canción que le da nombre al disco. La letra me gusta bastante y a pesar de presentar muchos elementos electrónicos como samplers y sintetizadores, estos no se hacen muy molestos como en otras canciones, muy buen tema. De los mejores del disco, buen punto de partida.

Buenísimo tema, de los mejores del disco. Buena letra aunque, a mi parecer, y al contrario de la opinión de Nicolás, es algo opacada por el uso de muchos elementos electrónicos.


El álbum sigue con ''Que no destrocen tu vida'' la cual yo creo es uno de los puntos fuertes del disco, una buenísima letra y que posee una base instrumental y rítmica muy sólida, me gusto mucho la ejecución de la guitarra a cargo de Narea y el uso de los sintetizadores.

A mi no me gusta este tema. No logro entender como tanta gente lo considere ''bueno''. Encuentro que la letra es mala, y el excesivo uso de elementos electrónicos opaca en cierto punto a esta canción. Hasta ahora, para mí, lo más bajo de este disco.


''Usted y su ambición'' es un buen tema, antes no tenía una muy positiva opinión de esta canción, pero ahora pienso que es bastante buena, tiene una grandísima letra y los riffs de guitarra se complemetan muy bien junto a la percusión y la voz, hasta ahora, los cuatro primeros temas de este álbum me han dejado mas que satisfecho.

A diferencia del tema anterior, este tema me parece muy bueno. Tiene una gran letra que refleja el actuar de los empresarios de esa época (aunque actualmente siguen habiendo varios así). Buena instrumentación, sobre todo la guitarra, donde agradezo que no esté saturado de sintetizadores como en los otros temas.


El quinto tema es ''Cuando te vayas'', que para mi es un tema aceptable, tiene gran una letra, que aunque sea media cebollera, es buena (nótese que pareciera que González predijo la separación de su matrimonio), y la base instrumental va muy acorde al tema. La guitarra no está nada mal, en el estribillo, Narea lo hace muy bien, pero después de un rato se hace repetitivo, aunque esto no le quita nada de calidad a la canción. Mención especial a la buena interpretación de González.

Seguimos con temas buenos. ''Cuando te vayas'' es una canción espectacular, donde los violines le dan un toque especial a este tema. La guitarra de Narea en el coro es grandiosa. De la letra nada que decir, buena como solo Jorge González podía hacerla.


''Jugar a la guerra'' es un tema que me gusta mucho. Una certera, precisa letra sobre el ejercito y el servicio militar. La guitarra de Narea, y especialmente la percusión de Tapia hacen que la canción tenga una buena base donde poner la letra llena de metáforas y que es un tanto difícil de comprender a la primera, lo que yo creo que justifica un poco que el tema no sea tan rápido como otras canciones de temática similar que tienen Los Prisioneros. No es de las mejores, pero está bien compuesto y bien ejecutada que es lo que importa.

''Jugar a la guerra'' no es un mal tema, pero si olvidable. Es más o menos una crítica a los militares, pero no me parece ''suficiente'' para lo que nos tenían acostumbrados Los Prisioneros. Encuentro que es muy calmado y con muy poca de esa ''fuerza'' que caracterizaba a la banda en ''La voz de los '80'' o en algunas canciones del ''Pateando piedras''. Buen tema, pero lejos de ser lo mejor de este disco.


Al contrario de lo que casi todos los fans de Los Prisioneros piensan, creo que ''Algo tan moderno'' es uno de los mejores temas de La cultura de la basura. La letra es impecable, y la instrumentación le cae como anillo al dedo. Es un tema tranquilo, calmado y que yo disfruto muchísimo. Tapia se luce con la voz, y la base tipo reggae de González y Narea es espectácular. El solo me gusta bastante, es una canción peculiar, pero me gusta bastante.

Estamos frente a un punto muy bajo de este disco. La letra no es mala (no tanto) pero la instrumentación es horrible. Muy lento, muy fuera de Los Prisioneros como alguna parte de este disco. Pobre participación de la guitarra, el bajo y la batería, salvo una parte del final donde Narea hace una especie de solo, que a pesar de estar en esta canción si es rescatable ya que está acorde a toda la canción, o sea LENTO.


''Maldito Sudaca'' no es mala, pero creo que el problema que tiene es que es muy básica, al lado de otras canciones de esta temática como ''Latinoamérica...'' o ''Independencia Cultural'' esta se queda corta en la letra que si bien no es mala, y para mi por lo menos es muy comica, pudieron habérsele agregado un par de elementos. La percusión y guitarra buenas como de costumbre,

En contraste a la canción anterior, este tema me parece bueno. Tiene el sonido que caracterizaba a Los Prisioneros, con unos acordes simples a lo largo de toda la canción, aunque la letra es simple y termina aburriendo un poco. No tiene mayor explicación la canción. Cabe a destacar que la letra, al repetirse prácticamente lo mismo durante toda la canción, es fácil de memorizar.


Llegamos al punto mas alto del disco, ''Lo estamos pasando muy bien'' es simplemente sublime, la letra y la guitarra de Narea saca aplausos, el bajo de González suena poderoso, y que decir de la percusión de Tapia, impresionante. Me gusta mucho la intro y los samplers usados en la canción. Varios de estos elementos fueron suprimidos en la Edición Latinoamericana cuando después de las buenas contribuciones de Narea y Tapia, Los Prisioneros se transformaron de nuevo en ''González y amigos''. En resumen, buena letra, buena instrumentación y Narea pone todo su esfuerzo en cantar, y la verdad es que no lo hizo tan mal.

Buenísima. Para mi esta canción es la mejor de este disco (y del grupo). ''Lo estamos pasando muy bien'' es excelente, una obra maestra, esta vez hecha por Narea. El poco uso de elementos electrónicos ayudó a mantener la calidad del tema. La guitarra acompaña perfectamente en los versos y el coro, al igual que el bajo y la batería. La intro se hace algo innecesaria, y en momentos también los samples de Pedro Picapiedra y Pablo Mármol. La letra es bastante buena y contiene una fuerte crítica social. Lástima que la versión cantada por González sea tan mala.


''El es mi ídolo'' no me gusta para nada, la letra no es tan mala y se entiende a que o a quienes va, pero la canción en general es muy básica, los instrumentos, la voz, todo. Es por lejos la peor canción hasta ahora, los pianos no están tan mal, pero no se acoplan con lo demás, aunque en verdad, nada se acopla con nada en esta canción

Saltamos de algo tan bueno a esta basura. ''Él es mi ídolo'' es tan mala, pero TAN MALA. Trata de criticar a las fangirls o a los ídolos de la década de los '80, no se entiende nada esta letra. Me da rabia esto, además que los elementos eléctronicos arruinan todo como en varios temás más de este álbum.


Vamos por partes, detesto que González haya sacado tres de los cuatro temas de Narea y Tapia en la Ed. Latinoamericana, pero la verdad agradezco que haya sacado a ''El vals''. Me da un poco de risa aunque no debería, pero se parece a la canción que Nelson Muntz le cantaba por las noches a su papá en el capítulo en el que es adoptado por Marge. La voz es malísima, tuve que leerla transcrita para enterderla completa. En fin, una canción básica y mal ejecutada en el estudio. Simplemente no debió estar, ahora que Narea va a sacar nuevo material podría reeditarla.

Ahora basura hecha por Narea y Tapia. No se entiende nada la letra y los instrumentos ''clásicos'' de Los Prisioneros son casi inexistentes. ¿Qué más digo? Si no se puede decir absolutamente nada, el ritmo es lo mismo durante toda la canción, la voz de Narea ni siquiera se entiende. No le encuentro mucho sentido a la letra. Malísima.


En ''Otro día'' se entiende que la monotonía de la canción  y su letra (que no es del todo mala) es para graficar la rutina de un obrero, pero la verdad es que ni aclarar eso logra. Es incomprensible porque está canción está mal construida, todo suena desafinado y nada cuadra con lo demás, es una mescolanza extraña, un sinsentido inexplicable, no me gusta para nada. No se si González se habrá dado cuenta de lo mala que era está canción y por eso la puso casi al final.

En este momento me pregunto ¿Por qué reviso esto? Esta canción, al igual que las dos anteriores, es mala, aunque no del todo, la letra es buena pero la instrumentación es horrible, en serio. Me da la impresión de que este disco trata de emular la ''crítica social'' de los dos anteriores (sobretodo de ''La voz de los '80'') pero no les sale. Nuevamente los elementos electrónicos hacen mierda la canción. Todos los instrumentos hicieron mierda esta canción.


Para algunos, una de las mejores canciones de Los Prisioneros, para mí, una buena canción, pero que no es nada del otro mundo, fue una canción recurrente de Los Prisioneros en sus conciertos en festivales, y eso implica que es de las 15 o 20 mejores, pero aunque es buena, hay un chorro de canciones mejores del grupo. La letra es súper de doble análisis y si llegas a entenderla, te deja una buena sensación, la instrumentación no está nada mal.

Aquí mejoramos un poquito. ''Pa pa pa'' no es buena pero tampoco es mala, está ''ahí''. La letra no es mala, la instrumentación es buena aunque, como ha sido prácticamente la tónica, simple. Los instrumentos electrónicos no opacaron la canción, por suerte. Un tema más o menos ya cerrando el disco, debemos agradecerlo.


Antes de comenzar a escribir la review, habían pasado solo unos pocos meses desde que volviera a escuchar ''Poder Elegir'', la última vez fue de chico. Y la verdad cada vez la encuentro mejor, la letra y la melodía encajan mas en el Pateando Piedras, pero estando en este disco, es un broche de oro, buena letra, un solo que me recuerda al álbum blanco de The Beatles (en cuanto a sonido de la guitarra), y el contexto en el que está hecha, bastante atrevido para un año en que la posibilidad de un plebiscito daba señales de esperanza a la ciudadanía.

Finalizamos este ''buen'' (?) disco. El inicio es bastate poco convincente, da la impresión de que será una canción malísima como algunas de este disco, pero no es para nada así. La letra: buenísima, tiene esa crítica social que a veces se extrañaba durante algunos pasajes de este disco. La instrumentación excelente, por fin calza bien lo electrónico. Encuentro que este tema tiene esa fuerza, esa actitud que tenían Los Prisioneros en la época de ''La voz de los '80'' y parte de ''Pateando piedras''. Excelente cierre para el disco.


En resumidas cuentas, este es un disco bueno pero muy desequilibrado, tiene algunas de las mejores canciones de Los Prisioneros, pero también varias de las peores. Es sin duda un disco especial, el principio del fin, el principio de la era ''González, el que toca la batería y esos dos que no se como se llaman''. Creo que es un buen disco, pero que pudo haber sido mejor, y no. La Edición Latinoamericana solo lo emepeoró. Un disco para mi mejor, pero considerado peor que Corazones por la mayoría de la gente. Creo que las letras del álbum, en algunos casos fueron bastante débiles respecto a su predecesor, y la instrumentación, invadida por los sintes y las baterías programadas, no está mal, pero esto pudo haber sido corregido, un poco excesivo, en mi opinión. Las contribuciones de Narea y Tapia le dieron un aire fresco al disco, y fueron bastante acertados (excepto El Vals, por supuesto) y eso deja una buena sensación, y algo de incertidumbre, de que pudieron haber aportado estos dos integrantes a la banda posteriormente. En fin, creo que este disco esta muy infravalorado, y se le debe sar una oportunidad, mi calificación es:

Este disco tiene de todo: canciones buenísimas, buenas, ahí nomás y malas. No logro entender por qué es tan odiado por la gente, llegando incluso a catalogarlo como el peor de la primera etapa de Los Prisioneros. Es, sin ninguna duda, mejor que la mamonería de ''Corazones'', que prácticamente es el primer disco solista de Jorge González. Sobre la participación de Narea y Tapia: Hay algunas canciones de ellos que sí son buenas y aportan bastante al disco (recordemos ''Somos solo ruido'' y ''Lo estamos pasando muy bien'') pero hay otras que no deberían por qué estar aquí (''Algo tan moderno'' y ''El vals''). Se sobreexplotan muchísimo los instrumentos electrónicos por lo que a veces arruinan completamente las canciones al saturarlas de estos. En momentos intentan imitar la crítica social de ''La voz de los '80'' y les sale, pero de una manera tan horrible que llega a dar pena. Tiene temas buenísimos dignos de recordar, pero a la vez algunos malísimos. Un buen disco pero muy infravalorado. Mi calificación es:

Reseñar este disco fue una divertida y difícil experiencia, el estudio interrumpió varios meses nuestra labor y ahora volveremos, pero a un ritmo mas calmado, espero que esta segunda etapa les guste mucho, ya que yo y Sebastián le estamos poniendo mucho cariño a este trabajo. Próximamente habrá otra review relacionada a Los Prisioneros, esperenla, porque también será hecha entre nosotros dos, muchísimas gracis por leer.

Nicolás Olivares

Los Bunkers - La Culpa (2003) | Review Musical por Sebastián Madrid

Era octubre de 2003, Los Tres se habían separado ya hace tres años, hace un mes Los Prisioneros perdieron (por segunda vez), a Claudio Narea, su guitarrista. Los Bunkers no habían lanzado ningún disco desde el gran ''Canción de lejos'' del año 2002 (que contiene buenas canciones como ''Miño'', ''Sabes qué'', etc.). Ya era hora de algo nuevo, y aquí fue donde Los Bunkers se pusieron las pilas y nos trajeron ''La culpa'', su tercer disco y una de sus mejores obras musicales que, a diferencia del anterior, no fue producido por Álvaro Henríquez, sino por ellos mismos. Veamos qué tal es esta producción del grupo oriundo de Concepción.

Lista de canciones:
1.- Canción para mañana.
2.- No me hables de sufrir.
3.- No necesito pensar.
4.- Cura de espanto.
5.- Dios no sabe perder.
6.- Culpable.
7.- La exiliada del sur.
8.- El día feliz.
9.- El festín de los demás.
10.- Mariposa.
11.- Mira lo que dicen sobre nuestro amor.
12.- Última canción.

Comenzamos con ''Canción para mañana'', un tema bastante ''triste'' de cierto punto, como también ''feliz'' de otro. Hay muchas interpretaciones para esta gran canción de los oriundos de Concepción, hasta ellos mismos lo han usado para apoyar a los estudiantes chilenos durante las constantes manifestaciones del año 2012. En palabras simples es un gran tema que puede sacar los recuerdos más nostálgicos y tristes que podamos tener, como también darnos esperanzas para un futuro mejor.

Seguimos con ''No me hables de sufrir'', saltando de un tema bastante suave como lo es ''Canción para mañana'' a este tema mucho más rockero. ¿Qué puedo decir sobre esta gran canción que no se haya dicho antes? Gran letra acompañada de una buena instrumentación, donde se manifiesta de manera perfecta que en el amor no todo es color de rosa. Una obra de arte que hasta el día de hoy sigue sonando en nuestras ya, cada vez más, muertas radios. Para mí lo mejor de este disco.

Y volvemos con un salto brusco, nuevamente, a ''No necesito pensar''. Un tema bastante distinto a los demás, algo más ''emo''. Pero que sea algo ''emo'' no le quita lo bueno a este tema (aunque tampoco le quita lo corta venas). Buena instrumentación pero con una letra un tanto ''apagada'', que no le quita lo bueno, claro está.

¿Siguen los saltos bruscos? al parecer sí, ahora con ''Cura de espanto''. Bastante pegadizo el ritmo, la letra no tanto, pero si la escuchas bien tiene sentido, además de ser muy metafórica, algo así como Los Tres, pero nunca tanto.

Me está gustando esto de los saltos bruscos. ''Dios no sabe perder'' nos trae todo lo oscuro que tenía ''No necesito pensar'', pero en un grado aún mayor. O quizá no sea que es tan oscuro, solo debe ser su ritmo tan pausado en conjunto a esas guitarras. Bueh, en definitiva es una buena canción, pero algo oscura (como casi todo lo de Los Bunkers anterior al 2008).

¿QUÉ? ¿NO HAY SALTO BRUSCO? ¡EXIJO QUE ME DEVUELVAN EL DINERO! ''Culpable'' expresa muy bien el sentimiento de la culpabilidad en el amor (¡NO ME DIGAS!), pero de forma muy triste y depresiva, da la impresión de que Álvaro López se va a suicidar al terminar la canción. Esas quenas que suenan de fondo durante algunos pasajes de la canción quedan excelente, le dan ese ''toque''.

Ahora viene lo que, sin duda, es de lo mejor que se encuentra en este disco: ''La exiliada del
sur''. Esta canción originalmente era un poema de Violeta Parra, posteriormente fue transformada a música por Inti Illimani y luego por Los Bunkers, siendo esta una de las más conocidas últimamente. La canción mezcla las grandes letras de Violeta Parra con el tono rockero que normalmente nos ofrecen Los Bunkers, además de agregarle algunos pasajes de folclore.

Saltamos de lo más hermoso a lo meloso y asqueroso. ''El día feliz'' es uno de los temas más mediocres que he oído de las grandes bandas de rock chileno. Muy, pero exageradamente MUY depresivo, siendo que al principio, por el título y el sonido de la canción hacen una imagen de una canción linda, siendo que no lo es. Después empiezan a dar como mensajes de aliento, que el renacer y weás, pero la letra y la instrumentación no concuerdan para nada. La decepción de este disco.

Continuamos con lo malo. ''El festín de los demás'' comete prácticamente el mismo error que la canción anterior: no hacer concordar bien la letra con la instrumentación. La letra no es tan mala, el problema fue esta mezcla bastante extraña que hicieron los hermanos Durán al musicalizar este tema.

Con esto mejoramos un poco. ''Mariposa'' expresa sentimientos bastante fuertes que se sufren en algún momento de la vida. Sin duda en esta canción la voz de López expresa de manera brillante esos sentimientos, con una voz media apagada y bastante triste con un sonido suave de fondo.

''Mira lo que dicen sobre nuestro amor'' es totalmente distinto a los tres temas anteriores, intenta expresar felicidad y cariño por alguien. Me gusta esta faceta bien distinta a lo que normalmente se escucha de Los Bunkers. También es casi un momento de tu vida esta canción, esa transición post tristeza extrema a felicidad nuevamente.

El fin. ''Última canción'' trae nuevamente esa extrema faceta triste de Los Bunkers. Al parecer los Durán recientemente habían tenido un quiebre amoroso bastante importante para poder transmitir ese nivel de tristeza. Buen cierre de este disco, pero no tan bueno como el inicio de éste.

Resumiendo.
''La culpa'' es un buen disco. Tiene canciones dignas de admiración como ''No me hables de sufrir'', ''Cura de espanto'', ''Culpable'' o ''La exiliada del sur'', con una excelente combinación de instrumentación y letras que pueden llegar a lo más profundo de ti. Pero no todo es bueno, temas como ''El día feliz'' y ''El festín de los demás'' son realmente malos, MALOS. No me gusta ese sentimiento depresivo tan extremo que aveces tienen Los Bunkers. Sin esos dos temas el álbum sería buenísimo. Es increíble esa variedad que otorga este álbum, saltando de temas muy rockeros a otros
bastante lentos. Aplausos para Los Bunkers por haber creado este gran disco, casi igual o mejor que ''Canción de lejos''. Mi calificación es:

Espero que les haya gustado mi trabajo, agradecería que lo compartieran con sus amigos, y que le den like a la página de Facebook de Sinécdosis, cuidense

Sebastián Madrid