Kraftwerk es sin duda uno de los grupos más influyentes en la historia de la música contemporánea y pioneros de la electrónica. Fundado en 1969 (bajo el nombre temporal de “Organisation”) por Ralf Hüttery Florian Schneider en la ciudad de Düsseldorf, su estilo se enfoca, hasta la actualidad, en un sonido minimalista, pegadizo y repetitivo en ocasiones. Los conceptos de sus álbumes a través de las décadas siempre han tratado sobre la sociedad moderna, y la relación cada vez más interdependiente entre hombre y máquina, prediciendo en algunos casos, hechos que en la actualidad son comunes dentro del mundo globalizado y digital. El uso de instrumentos electrónicos hizo que se ganaran un espacio dentro del Olimpo musical, y hasta el día de hoy no se puede calcular la gran marca que dejaron en la industria. Muchos expertos comparan directamente a Kraftwerk con “The Beatles” como grupos que dirigieron el futuro de la música, con la salvedad de que Kraftwerk siempre mantuvo un perfil bajo y a raya la relación música/fama. Su música se acompaña de visuales minimalistas y futuristas, lo que les da un plus adicional como grupo y un aura de enigma.
En esta serie que constará de cuatro partes y 2 álbumes por parte, daré un análisis a los 8 álbumes que Kraftwerk considera como sus más importantes y los que poseen el sonido característico de ellos (Autobahn, Radioactivity, Trans Europe Express, The Man Machine, Computer World, Electric Café, The Mix, Tour de France). Estos 8 álbumes, a la vez, son los mismos que forman parte del CD Box de remasterizados “The Catalogue” (“Der Katalog” en alemán) lanzado en 2009. Mi nombre es Cristián Petersen, chillanejo y un gran fanático de este grupo (al punto de moderar en una fan page en Facebook llamada “I Love Krafwerk”). Espero que este análisis les sea de su agrado.
KRAFTWERK - AUTOBAHN
Lanzado en noviembre de 1974, "Autobahn" tiene como tema central la red de autopistas alemana creada durante los años '30s y '40s del siglo pasado (más adelante sería fuente de controversia entre algunas personas del Reino Unido y Estados Unidos, quienes sentían que Kraftwerk simpatizaba, de algún modo, con la Alemania Nazi, al ser éstos los responsables de retomar el proyecto y llevarlo a cabo ambiciosamente). Dejando de lado sus 3 álbumes anteriores, los cuales eran puramente experimentales e instrumentales, Autobahn se enfoca en un sonido más electrónico, haciendo un mayor uso de sintetizadores, vocoders y baterías electrónicas completamente caseras (hechas por Wolfgang Flür, miembro de la banda en aquel entonces), aunque sin por ello dejar de usar sonidos de violines, flautas y piano para algunas partes. El álbum logró un éxito internacional bastante aceptable para ser un grupo de Alemania, y marcaría a la banda para siempre como el “comienzo de su viaje musical”.
Con poco más de 42 minutos de duración, el álbum recorre por diferentes sonidos, cada uno con un estilo único de acuerdo a la canción reproducida (5 en total). Hoy es considerado como uno de los mejores álbumes del siglo XX, pues para su época presentó un sonido radicalmente distinto a la imperante por aquel entonces. No era rock, ni funk, ni disco; era algo que en aquel entonces no poseía un nombre determinado. A pesar de haber sido lanzado hace ya casi 43 años, sigue siendo un álbum que suena fresco y crujiente. Sin más que añadir, comencemos.
LISTA DE CANCIONES:
El disco comienza con el sonido de una persona subiendo a un “Volkswagen Escarabajo”, cerrando la puerta, encendiendo el motor y partiendo rumbo al Autobahn mientras toca la bocina para despedirse, dando comienzo simbólico al álbum y a la canción en sí. Por más de 22 minutos,el tema nos presenta una melodía pegadiza y algo repetitiva, pero no por ello menos disfrutable. Muchos sonidos de sintetizadores emulando gran tránsito de vehículos por la autopista se escuchan de vez en cuando, sobre todo en la mitad de la canción. Esto da un enfoque ambiental a la canción y dejando en claro que el Autobahn es el motor del álbum. La canción es la única que posee letra, interpretada por Ralf y Florian, cuyos mensajes demuestran una emoción y ansiedad por estar disfrutando del bello paisaje que se les presenta, de los vehículos que transitan a su alrededor, mientras describen físicamente al Autobahn. A medida que la canción avanza, se dejan algunos minutos para experimentar con solos de baterías electrónicas y sintetizadores, y posteriormente volver a la melodía inicial de la canción.
Cuando llegamos cerca del minuto 16, la canción torna un giro inesperado y se deja de lado la melodía predominante de ésta para dar comienzo a una nueva, con un enfoque completamente electrónico y más “rockero”, por llamarlo de alguna manera. Sin duda alguna, esta primera canción es la que demuestra que la electrónica sería la música del futuro.
Damos paso a la segunda canción, Kometenmelodie 1, donde nos alejamos del sonido enérgico y algo rockero para dar cabida a algo mucho más sereno. Quizás, excesivamente sereno. Personalmente disfruto de esta canción, a pesar de lo "aburrida" que puede sonar para muchos. El concepto de la canción es sentir una "melodía de cometas" mientras siguen conduciendo por la autopista Autobahn, tal como se traduce literalmente el nombre de la canción del alemán. El uso de sintetizadores es total, con pequeñas interpretaciones de percusiones, mayormente usadas como meros metrónomos y dar compás a la melodía.
Para la tercera canción del álbum, se sigue la base inicial de su predecesora, pero reviviendo nuevamente un sonido más enérgico y rockero, algo que habíamos dejado atrás en la primera canción. Con esto se deja en claro que la canción anterior sólo fue una suerte de "gran introducción" a ésta, sobre todo al darnos cuenta de que las melodías son muy parecidas, con la salvedad de que aquí se rompe por completo la serenidad y la efusión se apodera de todo.
En la cuarta canción volvemos un tanto a la tranquilidad vista en la segunda canción, pero no de manera tan excesiva. Un sintetizador con un sonido similar a la de un órgano traza la melodía que posee el tema, seguido de sonidos similares a gotas de agua saliendo de una llave mal cerrada. Sinceramente siento que pudieron lograr perfectamente esa sensación de estar en medio de la noche (media noche para ser exactos), donde el silencio se transforma en el protagonista de tus sensaciones.
Para la quinta y última canción del álbum, el sonido emulado de pajaritos cantando marca el concepto central de Morgenspaziergang: despertar del largo viaje y comenzar a pasear en pleno amanecer. La flauta de Florian es la protagonista de la melodía que se escuchará por un poco más de 4 minutos, seguido de un acompañamiento de piano tocado por Ralf, y esporádicamente la intromisión de sonidos de una guitarra, dejando demostrado que no siempre es necesario usar instrumentos electrónicos para dar el punto final. Una excelente manera de acabar con el álbum, y la finalización simbólica del paseo por la autopista.
En resumen: Autobahn posee una fama indiscutible, y una excelente reputación más que ganada. Kraftwerk comienza con este álbum a mostrar su faceta electrónica y la apuesta por este sonido, algo que comenzaría a evolucionar con cada futuro álbum que se lanzarían a través de los años. Ralf y compañía sabían que la electrónica y el pop serían los géneros de la vanguardia en el mediano y largo plazo, apostando todas sus fichas a estos sonidos. Claramente ganaron la apuesta y se posicionaron en el mapa musical mundial como los pioneros del género. “Autobahn” sería, irónicamente, la representación misma del viaje a un nuevo sonido para la música del mundo.
Con poco más de 42 minutos de duración, el álbum recorre por diferentes sonidos, cada uno con un estilo único de acuerdo a la canción reproducida (5 en total). Hoy es considerado como uno de los mejores álbumes del siglo XX, pues para su época presentó un sonido radicalmente distinto a la imperante por aquel entonces. No era rock, ni funk, ni disco; era algo que en aquel entonces no poseía un nombre determinado. A pesar de haber sido lanzado hace ya casi 43 años, sigue siendo un álbum que suena fresco y crujiente. Sin más que añadir, comencemos.
LISTA DE CANCIONES:
- Autobahn
- Kometenmelodie 1
- Kometenmelodie 2
- Mitternacht
- Morgenspaziergang
El disco comienza con el sonido de una persona subiendo a un “Volkswagen Escarabajo”, cerrando la puerta, encendiendo el motor y partiendo rumbo al Autobahn mientras toca la bocina para despedirse, dando comienzo simbólico al álbum y a la canción en sí. Por más de 22 minutos,el tema nos presenta una melodía pegadiza y algo repetitiva, pero no por ello menos disfrutable. Muchos sonidos de sintetizadores emulando gran tránsito de vehículos por la autopista se escuchan de vez en cuando, sobre todo en la mitad de la canción. Esto da un enfoque ambiental a la canción y dejando en claro que el Autobahn es el motor del álbum. La canción es la única que posee letra, interpretada por Ralf y Florian, cuyos mensajes demuestran una emoción y ansiedad por estar disfrutando del bello paisaje que se les presenta, de los vehículos que transitan a su alrededor, mientras describen físicamente al Autobahn. A medida que la canción avanza, se dejan algunos minutos para experimentar con solos de baterías electrónicas y sintetizadores, y posteriormente volver a la melodía inicial de la canción.
Cuando llegamos cerca del minuto 16, la canción torna un giro inesperado y se deja de lado la melodía predominante de ésta para dar comienzo a una nueva, con un enfoque completamente electrónico y más “rockero”, por llamarlo de alguna manera. Sin duda alguna, esta primera canción es la que demuestra que la electrónica sería la música del futuro.
Damos paso a la segunda canción, Kometenmelodie 1, donde nos alejamos del sonido enérgico y algo rockero para dar cabida a algo mucho más sereno. Quizás, excesivamente sereno. Personalmente disfruto de esta canción, a pesar de lo "aburrida" que puede sonar para muchos. El concepto de la canción es sentir una "melodía de cometas" mientras siguen conduciendo por la autopista Autobahn, tal como se traduce literalmente el nombre de la canción del alemán. El uso de sintetizadores es total, con pequeñas interpretaciones de percusiones, mayormente usadas como meros metrónomos y dar compás a la melodía.
Para la tercera canción del álbum, se sigue la base inicial de su predecesora, pero reviviendo nuevamente un sonido más enérgico y rockero, algo que habíamos dejado atrás en la primera canción. Con esto se deja en claro que la canción anterior sólo fue una suerte de "gran introducción" a ésta, sobre todo al darnos cuenta de que las melodías son muy parecidas, con la salvedad de que aquí se rompe por completo la serenidad y la efusión se apodera de todo.
En la cuarta canción volvemos un tanto a la tranquilidad vista en la segunda canción, pero no de manera tan excesiva. Un sintetizador con un sonido similar a la de un órgano traza la melodía que posee el tema, seguido de sonidos similares a gotas de agua saliendo de una llave mal cerrada. Sinceramente siento que pudieron lograr perfectamente esa sensación de estar en medio de la noche (media noche para ser exactos), donde el silencio se transforma en el protagonista de tus sensaciones.
Para la quinta y última canción del álbum, el sonido emulado de pajaritos cantando marca el concepto central de Morgenspaziergang: despertar del largo viaje y comenzar a pasear en pleno amanecer. La flauta de Florian es la protagonista de la melodía que se escuchará por un poco más de 4 minutos, seguido de un acompañamiento de piano tocado por Ralf, y esporádicamente la intromisión de sonidos de una guitarra, dejando demostrado que no siempre es necesario usar instrumentos electrónicos para dar el punto final. Una excelente manera de acabar con el álbum, y la finalización simbólica del paseo por la autopista.
En resumen: Autobahn posee una fama indiscutible, y una excelente reputación más que ganada. Kraftwerk comienza con este álbum a mostrar su faceta electrónica y la apuesta por este sonido, algo que comenzaría a evolucionar con cada futuro álbum que se lanzarían a través de los años. Ralf y compañía sabían que la electrónica y el pop serían los géneros de la vanguardia en el mediano y largo plazo, apostando todas sus fichas a estos sonidos. Claramente ganaron la apuesta y se posicionaron en el mapa musical mundial como los pioneros del género. “Autobahn” sería, irónicamente, la representación misma del viaje a un nuevo sonido para la música del mundo.
KRAFTWERK - RADIO-ACTIVITY
Octubre de 1975. Han pasado 11 meses desde el éxito de “Autobahn”, y esta vez la banda nos trae un álbum conceptual enfocado en un tipo de energía que generaba controversias, sobre todo si nos contextualizamos en la realidad de la “Guerra Fría”: la energía nuclear y los efectos de ésta en una sociedad cada vez más inmersa en el miedo por la guerra atómica y el fin de la civilización como la conocemos. La radioactividad y temas similares son los protagonistas de este nuevo álbum, que abandona definitivamente el uso de cualquier instrumento clásico y se adentra profundamente en melodías creadas 100% por instrumentos electrónicos, además de un uso más protagónico de vocoders, mostrando a un Kraftwerk más “robotizado”.
Lo curioso de este álbum es que se da comienzo a una práctica que sería normal para el resto de álbumes: sacar una versión internacional (en inglés) y otra versión para el territorio nacional (en alemán), teniendo que adaptar letras para ambos idiomas, y manteniendo el sentido de sus mensajes, aunque en el caso de este álbum se mezclaron y compartieron tanto letras en inglés como en alemán en las canciones, siendo los títulos de éstas las que están exclusivamente en su respectivo idioma.O sea, ambos mercados comerciales tenían las mismas versiones de canciones, con sólo cambios en los títulos.Para efectos de esta reseña, usaré la versión alemana, así que los títulos estarán en ese idioma, más su contenido es el mismo que el de la versión internacional. Sin más que decir, la lista de canciones a continuación:
LISTA DE CANCIONES:
Damos paso a la segunda canción del álbum, y el single central de éste. La ambientación genera una sensación de estar en medio de la polución de una ciudad contaminada por la radiactividad, seguido de señales en código morse de fondo. El masivo uso del “Orchestron” como instrumento logra algo increíble en la canción. Su característico efecto de “voces de coros” da un plus al tema, generando una suerte de escalofríos. Este instrumento seguirá teniendo un rol importantísimo en otros temas del álbum. Ralf comienza a describir la radiactividad desde su descubrimiento hasta las maneras en que se emplea en su realidad social. Los códigos morse que se escuchan luego de las intervenciones de Ralf son, literalmente, mensajes encriptados conteniendo casi la misma letra cantada, con pequeñas modificaciones. Sin duda alguna es un detalle realmente fascinante a destacar, ya que no muchos saben de aquello y dan por sentado que los códigos morse escuchados son sólo “pitidos aleatorios”.
Como dato curioso: esta canción con el pasar de los años se convertiría de un simple tema sobre la radiactividad a un mensaje de protesta contra el uso de la energía nuclear y los efectos que genera en la población. Para el álbum “The Mix” de 1991 (un álbum que analizaremos más adelante), la letra sería fuertemente cambiada, añadiendo nombres de centrales nucleares que han sufrido accidentes, como Chernóbil o Sellafield, e incluso una ciudad que fue devastada por la radiactividad, como lo es Hiroshima. Se le añadiría la palabra “stop” antes de decir “radioactivity”, dando a conocer claramente el mensaje nuevo que se le quiere dar, alejando bastante el concepto del tema original del álbum analizado ahora.
Pasamos a “Radioland”, donde el tema trata básicamente del medio de comunicación más importante de su época: la radio (sí, existía la televisión, pero la radio seguía siendo el medio influyente más popular), y el mensaje entregado es una oda a su existencia. No hay mucho que describir sobre este tema, salvo que posee una melodía bien amena a los oídos, e intervenciones con vocoder en los momentos donde la radio “habla”.
Para el cuarto tema, los efectos de onda dan introducción a un sonido un tanto más “pop-rock”, recordando por momentos a la música de “The Beatles”. Sólo existen 2 frases en la canción que se repiten una y otra vez: una en alemán y otra en inglés, que es sólo la traducción de la primera.“When airwaves swing, distant voices sing” es el mensaje que nos indica el concepto del tema: cuando las ondas oscilan por los aires, las voces se apoderan de la canción y cantan (o sea, el mensaje anterior que se repite una y otra vez).
“Sendepause”, el quinto tema, es un “cierre de cortinas” para terminar el “primer acto” del álbum. Una sola nota se escucha intermitentemente, mientras sube de tono. El efecto recuerda demasiado a los “toques de gong” que existían en las estaciones de radio chilenas en el siglo XX y que denotaba un momento en que estaciones radiales que conformaban parte de una misma red informativa se sincronizaban para dar, al mismo tiempo, información de la realidad nacional e internacional. Desconozco si otras radios mundiales poseían un sistema similar, pero debo suponer que sí, ya que la siguiente canción coincide exactamente con lo que realizaba un toque de gong: dar noticias.
“Nachrichten” es la sexta canción del álbum, donde un locutor de radio comienza a dar información sobre la creación de 50 nuevas plantas de energía nuclear para la Alemania occidental en los próximos 10 años. De fondo comienza una segunda voz de otro locutor informando que existen 355 plantas nucleares operacionales o siendo construidas a nivel mundial, y que existirían 2000 al final del siglo. Vuelven a escucharse nuevos “toques de gong” para que una tercera voz entregue otra información al mismo tiempo que los otros 2 anteriores. Ocurre lo mismo con una cuarta y última voz de locutor. Ciertamente es un simbolismo y un detalle muy artístico añadido al álbum.
En la séptima canción del álbum nos encontramos con un monólogo realizado por una generadora eléctrica (básicamente, una prosopopeya), hablándole al oyente sobre su función como parte de una sociedad más y más dependiente de la tecnología y los avances. El mensaje vendría siendo un suplemento al tema anterior, para poder comprender mejor lo que se quiere plasmar en el álbum.
Para la octava canción, “Antenne”, Ralf es esta vez la que realiza un diálogo, personificando primeramente a una antena, la cual le habla a un transmisor común y corriente, ordenándole que cumpla su función de dar información. Luego, los papeles se intercambian y ahora es el transmisor quien le habla a la antena, exigiéndole que cumple su función de recibir la información. Un diálogo interesante, mezclado con interrupciones en alemán sobre electromagnetismo y ondas.
Llegando ya a la novena canción, sólo 3 líneas de letras explican un contexto un tanto científico: desde las profundidades del espacio, las estrellas son las radio estaciones galácticas que siempre transmiten púlsares y cuásares. Sólo se escuchan pulsaciones de frecuencias, con mínimas intervenciones de percusiones que sólo sirven como metrónomos.
Lo curioso de este álbum es que se da comienzo a una práctica que sería normal para el resto de álbumes: sacar una versión internacional (en inglés) y otra versión para el territorio nacional (en alemán), teniendo que adaptar letras para ambos idiomas, y manteniendo el sentido de sus mensajes, aunque en el caso de este álbum se mezclaron y compartieron tanto letras en inglés como en alemán en las canciones, siendo los títulos de éstas las que están exclusivamente en su respectivo idioma.O sea, ambos mercados comerciales tenían las mismas versiones de canciones, con sólo cambios en los títulos.Para efectos de esta reseña, usaré la versión alemana, así que los títulos estarán en ese idioma, más su contenido es el mismo que el de la versión internacional. Sin más que decir, la lista de canciones a continuación:
LISTA DE CANCIONES:
- Geigerzähler
- Radioaktivität
- Radioland
- Ätherwellen
- Sendepause
- Nachrichten
- Die Stimme der Energie
- Antenne
- Radio Sterne
- Uran
- Transistor
- Ohm Sweet Ohm
Damos paso a la segunda canción del álbum, y el single central de éste. La ambientación genera una sensación de estar en medio de la polución de una ciudad contaminada por la radiactividad, seguido de señales en código morse de fondo. El masivo uso del “Orchestron” como instrumento logra algo increíble en la canción. Su característico efecto de “voces de coros” da un plus al tema, generando una suerte de escalofríos. Este instrumento seguirá teniendo un rol importantísimo en otros temas del álbum. Ralf comienza a describir la radiactividad desde su descubrimiento hasta las maneras en que se emplea en su realidad social. Los códigos morse que se escuchan luego de las intervenciones de Ralf son, literalmente, mensajes encriptados conteniendo casi la misma letra cantada, con pequeñas modificaciones. Sin duda alguna es un detalle realmente fascinante a destacar, ya que no muchos saben de aquello y dan por sentado que los códigos morse escuchados son sólo “pitidos aleatorios”.
Como dato curioso: esta canción con el pasar de los años se convertiría de un simple tema sobre la radiactividad a un mensaje de protesta contra el uso de la energía nuclear y los efectos que genera en la población. Para el álbum “The Mix” de 1991 (un álbum que analizaremos más adelante), la letra sería fuertemente cambiada, añadiendo nombres de centrales nucleares que han sufrido accidentes, como Chernóbil o Sellafield, e incluso una ciudad que fue devastada por la radiactividad, como lo es Hiroshima. Se le añadiría la palabra “stop” antes de decir “radioactivity”, dando a conocer claramente el mensaje nuevo que se le quiere dar, alejando bastante el concepto del tema original del álbum analizado ahora.
Pasamos a “Radioland”, donde el tema trata básicamente del medio de comunicación más importante de su época: la radio (sí, existía la televisión, pero la radio seguía siendo el medio influyente más popular), y el mensaje entregado es una oda a su existencia. No hay mucho que describir sobre este tema, salvo que posee una melodía bien amena a los oídos, e intervenciones con vocoder en los momentos donde la radio “habla”.
Para el cuarto tema, los efectos de onda dan introducción a un sonido un tanto más “pop-rock”, recordando por momentos a la música de “The Beatles”. Sólo existen 2 frases en la canción que se repiten una y otra vez: una en alemán y otra en inglés, que es sólo la traducción de la primera.“When airwaves swing, distant voices sing” es el mensaje que nos indica el concepto del tema: cuando las ondas oscilan por los aires, las voces se apoderan de la canción y cantan (o sea, el mensaje anterior que se repite una y otra vez).
“Sendepause”, el quinto tema, es un “cierre de cortinas” para terminar el “primer acto” del álbum. Una sola nota se escucha intermitentemente, mientras sube de tono. El efecto recuerda demasiado a los “toques de gong” que existían en las estaciones de radio chilenas en el siglo XX y que denotaba un momento en que estaciones radiales que conformaban parte de una misma red informativa se sincronizaban para dar, al mismo tiempo, información de la realidad nacional e internacional. Desconozco si otras radios mundiales poseían un sistema similar, pero debo suponer que sí, ya que la siguiente canción coincide exactamente con lo que realizaba un toque de gong: dar noticias.
“Nachrichten” es la sexta canción del álbum, donde un locutor de radio comienza a dar información sobre la creación de 50 nuevas plantas de energía nuclear para la Alemania occidental en los próximos 10 años. De fondo comienza una segunda voz de otro locutor informando que existen 355 plantas nucleares operacionales o siendo construidas a nivel mundial, y que existirían 2000 al final del siglo. Vuelven a escucharse nuevos “toques de gong” para que una tercera voz entregue otra información al mismo tiempo que los otros 2 anteriores. Ocurre lo mismo con una cuarta y última voz de locutor. Ciertamente es un simbolismo y un detalle muy artístico añadido al álbum.
En la séptima canción del álbum nos encontramos con un monólogo realizado por una generadora eléctrica (básicamente, una prosopopeya), hablándole al oyente sobre su función como parte de una sociedad más y más dependiente de la tecnología y los avances. El mensaje vendría siendo un suplemento al tema anterior, para poder comprender mejor lo que se quiere plasmar en el álbum.
Para la octava canción, “Antenne”, Ralf es esta vez la que realiza un diálogo, personificando primeramente a una antena, la cual le habla a un transmisor común y corriente, ordenándole que cumpla su función de dar información. Luego, los papeles se intercambian y ahora es el transmisor quien le habla a la antena, exigiéndole que cumple su función de recibir la información. Un diálogo interesante, mezclado con interrupciones en alemán sobre electromagnetismo y ondas.
Llegando ya a la novena canción, sólo 3 líneas de letras explican un contexto un tanto científico: desde las profundidades del espacio, las estrellas son las radio estaciones galácticas que siempre transmiten púlsares y cuásares. Sólo se escuchan pulsaciones de frecuencias, con mínimas intervenciones de percusiones que sólo sirven como metrónomos.
“Uran” es el décimo tema, y se desprende paulatinamente del sonido del tema anterior, otra vez con un mensaje algo científico. El uso del “Orchestron” y de un vocoder es simplemente fantástico y un sonido que siempre sería recordado como propio del grupo. Un mensaje robótico nos ofrece sólo 2 líneas, con 2 líneas adicionales, pero en alemán y siendo sólo la traducción de las primeras 2 del inglés. Personalmente, a pesar de ser un tema realmente corto y que más sirve como un momento de pausa, es uno de los mejores temas de su historia como grupo, no por lo complejo de su estructura musical (ya que sólo se usa un Orchestron como instrumento), si no por el ambiente maravilloso que genera en el oyente: un sentimiento de soledad y paz interior, escuchando a su conciencia (el mensaje del vocoder, en este caso). Un momento de trance que se agradece mucho.
Llegamos al penúltimo tema, en donde la introducción de 4 segundos podemos percibir una persona cambiando de dial, para luego dar paso a un ritmo más experimental y algo fuera del sonido imperante del álbum. Sinceramente, a pesar de que me gusta, lo encuentro un poco fuera de lugar, y parece más un B-side de sus antiguos álbumes, como “Ralf Und Florian”.
Cerramos el telón con “Ohm Sweet Ohm”, donde un mensaje en vocoder repite el mismo mensaje indefinidamente por varios segundos, dentro de un silencio monumental. Poco a poco empiezan a escucharse nuevos instrumentos, como un viejo sintetizador y el kit de percusión artesanal de Wolfgang, que a medida que avanza el tiempo, comienza a subir de velocidad. La melodía central es realmente desoladora y melancólica, pero realmente hermosa. El tema cada vez empieza a hacer uso de más efectos de sintetizador sin dejar de lado la melodía central, con un ritmo bastante rockero. Personalmente, es el mejor tema del álbum, y en más de una ocasión me genera un nudo en la garganta por lo melancólico y terapéutico que puede ser para uno mismo y su conciencia. Ohm Sweet Ohm es, sinceramente, la canción más melancólica de la música electrónica (fuente: yo mismo) y a la vez un verdadero himno que vale más que cualquier álbum electrónico de los tiempos actuales. Realmente recomiendo escuchar este tema.
En resumen: Radioactivity es un álbum que realmente pudo estar a la altura de Autobahn, e incluso poder superar en algunos aspectos a éste. Un sonido más cristalino, menos improvisado; acompañado de ritmos pegajosos y un uso magistral del vocoder y el Orchestron, los cuales se roban la película. A veces puede tornarse algo repetitivo en ciertas canciones, o pecar de extender un poco temas que bastaban con una duración normal, pero lo cierto es que es un álbum que genera una tranquilidad mayor. Décadas más tarde, algunos de estos temas serían “re-estructurados” para ser tocados en las giras de “Retrospective” o “3-D Concert”, y aunque tienen un buen resultado, los originales son mejores (a excepción de Radioactivity, cuyo tema en la actualidad se convirtió en un símbolo de protesta y con un ritmo mucho más bailable y pegadizo).
Llegamos al penúltimo tema, en donde la introducción de 4 segundos podemos percibir una persona cambiando de dial, para luego dar paso a un ritmo más experimental y algo fuera del sonido imperante del álbum. Sinceramente, a pesar de que me gusta, lo encuentro un poco fuera de lugar, y parece más un B-side de sus antiguos álbumes, como “Ralf Und Florian”.
Cerramos el telón con “Ohm Sweet Ohm”, donde un mensaje en vocoder repite el mismo mensaje indefinidamente por varios segundos, dentro de un silencio monumental. Poco a poco empiezan a escucharse nuevos instrumentos, como un viejo sintetizador y el kit de percusión artesanal de Wolfgang, que a medida que avanza el tiempo, comienza a subir de velocidad. La melodía central es realmente desoladora y melancólica, pero realmente hermosa. El tema cada vez empieza a hacer uso de más efectos de sintetizador sin dejar de lado la melodía central, con un ritmo bastante rockero. Personalmente, es el mejor tema del álbum, y en más de una ocasión me genera un nudo en la garganta por lo melancólico y terapéutico que puede ser para uno mismo y su conciencia. Ohm Sweet Ohm es, sinceramente, la canción más melancólica de la música electrónica (fuente: yo mismo) y a la vez un verdadero himno que vale más que cualquier álbum electrónico de los tiempos actuales. Realmente recomiendo escuchar este tema.
En resumen: Radioactivity es un álbum que realmente pudo estar a la altura de Autobahn, e incluso poder superar en algunos aspectos a éste. Un sonido más cristalino, menos improvisado; acompañado de ritmos pegajosos y un uso magistral del vocoder y el Orchestron, los cuales se roban la película. A veces puede tornarse algo repetitivo en ciertas canciones, o pecar de extender un poco temas que bastaban con una duración normal, pero lo cierto es que es un álbum que genera una tranquilidad mayor. Décadas más tarde, algunos de estos temas serían “re-estructurados” para ser tocados en las giras de “Retrospective” o “3-D Concert”, y aunque tienen un buen resultado, los originales son mejores (a excepción de Radioactivity, cuyo tema en la actualidad se convirtió en un símbolo de protesta y con un ritmo mucho más bailable y pegadizo).
Y así es como terminamos esta primera parte. Espero que hayan disfrutado del análisis y perdonen cualquier error que pude haber cometido dentro del post. Es mi primera vez y como ser humano, puedo cometer errores. Gracias por su atención y no olvides seguir la página de Facebook de Sinécdosis, y estar atento a este blog para leer más contenido.
Cristián Petersen
Cristián Petersen
